Le Buk-Seoul Museum of Art, une antenne du réseau du Seoul Museum of Art (SeMA) dans le nord de Séoul, a ouvert « 2026 Title Match Inhwan Oh vs. Seo Young Chang: Human Error », une exposition qui confronte l'idéal de perfection technologique aux réalités indisciplinées des corps, des identités et des relations humaines.

La 13e édition de l'exposition annuelle « Title Match » du musée — un format qui met deux artistes en dialogue direct à travers les galeries de l'institution — est visible à partir de jeudi jusqu'au 25 octobre. Elle réunit deux artistes contemporains basés à Séoul dont les pratiques diffèrent par le médium et la génération, mais convergent vers une question commune : qu'est-ce qui reste distinctivement humain quand la technologie est de plus en plus censée être fluide, efficace et même créative ?

Le titre de l'exposition emprunte un terme couramment utilisé pour désigner les erreurs causées par les limites humaines. Plutôt que de traiter l'erreur humaine — les fautes résultant d'une imperfection physique ou mentale — comme un défaut à surmonter, l'exposition la redéfinit comme une condition de l'existence humaine et une source de créativité, a expliqué la commissaire Yoo Eun-soon. L'exposition met en lumière les efforts distincts des deux artistes pour perturber et dépasser les systèmes technologiques plutôt que de simplement s'y conformer.

Oh In-hwan : questionner la conformité et l'identité collective

Oh In-hwan, 61 ans, présente « We're Not One; Neither Am I », une rétrospective d'œuvres conceptuelles et participatives qui interroge l'identité collective et l'exigence sociale de conformité. L'exposition marque sa première présentation majeure en musée depuis 11 ans, après sa sélection pour le Korea Artist Prize du National Museum of Modern and Contemporary Art en 2015 — l'une des distinctions les plus éminentes pour les artistes contemporains du pays.

« Je ne pense pas que tout soit identique soit beau », a déclaré Oh lors d'une conférence de presse jeudi. « Je trouve qu'il est beau de reconnaître que les différences existent. »

Sa vidéo nouvellement commandée, « Razor-Sharp Synchronization », s'attaque à la chorégraphie de précision associée à la K-pop, un export culturel mondial dont les normes d'uniformité raffinée sont devenues le symbole de l'aspiration plus large de la Corée du Sud à l'excellence collective. Cinq danseurs exécutent une performance synchronisée sur une bande-son construite à partir d'éléments rythmiques de « Genie » de Girls' Generations et « Am I Wrong » de BTS. À première vue, les mouvements des danseurs sont presque indiscernables. Mais des caméras fixées sur le corps compliquent cette image, enregistrant de subtils tremblements, décalages et rotations qui échappent à une vue frontale.

Oh a déclaré que l'œuvre est née de son malaise face à l'idéal de la « chorégraphie au couteau », dans laquelle les danseurs sont censés se mouvoir avec une uniformité totale, ajoutant que « même au sein de ce que nous appelons l'unité, il y a de la diversité ».

Cette quête de différence informe également « Aegyo Project », une installation à sept canaux dans laquelle 15 acteurs masculins, âgés de la vingtaine à la soixantaine, exécutent de l'« aegyo » — des expressions exagérées de mignonnerie plus couramment attendues des jeunes animatrices dans la culture populaire coréenne. Cette scène inhabituelle révèle comment certains gestes sont assignés à des genres, des âges et des identités sexuelles particuliers, a expliqué Oh.

Une autre œuvre, « Isn't It Beautiful, Like Rainbow, That We Are Not One », a été créée avec les participants de l'Iban Art Gathering d'Oh, une communauté artistique destinée aux personnes queer sans formation artistique formelle, active depuis 16 ans. Les participants ont confectionné des arrangements arc-en-ciel à partir d'objets trouvés chez eux.

« Les communautés minoritaires peuvent être perçues comme très homogènes », a déclaré Oh. « Mais ces œuvres montrent la diversité en leur sein — et, par extension, la diversité plus large qui existe dans toute la société. »

Chang Seo-young : la technologie et le corps vulnérable

À l'étage supérieur du musée, Chang Seo-young, 43 ans, aborde le thème de l'exposition à travers le prisme du corps humain vulnérable. Sa section, « Silicon Venitas », met en regard le développement apparemment illimité de la technologie avec des corps qui vieillissent, tombent malades et meurent.

Dans « All No Grip », Chang utilise la disparition des objets que l'on peut physiquement saisir et contrôler dans des environnements de plus en plus axés sur les écrans et automatisés pour évoquer un corps rendu passif par des systèmes externes. « Quand tout converge vers les écrans, il n'y a plus rien à quoi se raccrocher », a-t-elle dit, expliquant comment notre libre arbitre et notre activité corporelle diminuent à une époque où tout est lissé par l'automatisation, ne laissant rien à saisir.

Sa vidéo à deux canaux, « Pollux's Mirror », positionne l'IA comme des entités jumelles qui apprennent des êtres humains, les occupent et potentiellement les remplacent. Elle suit les échanges d'un utilisateur humain avec une IA jusqu'à ce que la hiérarchie apparente entre le questionneur et le répondant commence à s'inverser.

Chang a déclaré que son intérêt réside dans la tension entre la fluidité technologique et la résistance du corps. « La technologie peut nous faire nous sentir à la fois tout-puissants et impuissants », a-t-elle dit. « Elle semble effacer les frontières spatiales et temporelles, devenant plus rapide et plus fluide. Mais le corps humain reste matériel — vulnérable à la maladie et soumis au vieillissement. »

Dans « This Memory », un gâteau d'anniversaire à conduite autonome erre à travers un hôpital abandonné après l'extinction de l'humanité, cherchant en vain quelqu'un pour souffler ses bougies — un scénario que Chang dit transformer l'hôpital en « une relique d'une époque » et qui reflète sa conviction que célébrer des anniversaires est « un acte très humain », un acte qui « marque des points le long du flux continu du temps ».

L'exposition est visible jusqu'au 25 octobre au Buk-Seoul Museum of Art. L'entrée est gratuite.